Homenaje a Gabriel Vargas creador de" La familia Burrón" - Zona XO

Homenaje a Gabriel Vargas creador de" La familia Burrón" - Zona XO
La familia burrón un ejemplo de la época de oro del comic mexicano y un reflejo de la vida popular.

La imposición y no la estética es lo que ha marcado la instalación de esculturas en el DF. ¿Cuál es la pieza más horrible de su rumbo? Los críticos opinan - Zona XO

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Esculturas en la vía pública.

LICHTFAKTOR, el light graffiti como arte urbano. - Zona XO

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La pintora surrealista Leonora Carrington fallece en México - Zona XO

La pintora surrealista Leonora Carrington fallece en México - Zona XO

Despedimos a una de las artistas surrealistas más grandes que ha visto el mundo y que escogió México para vivir.

Art Toys, Arte con Juguetes - Zona XO

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Gordon Matta Clark UN Artista que mediante el building cut centró la actividad de su vida - Zona XO

Gordon Matta Clark UN Artista que mediante el building cut centró la actividad de su vida - Zona XO

Gordon Matta Clark (Nueva York, 1943 1978). Fue un artista Estadounidense que exploró diferentes modos de intervención artística, mezclando indistintamente la perfomance, la crítica socio-espacial de la arquitectura y el urbanismo, el arte conceptual y las propuestas lúdico libertarias de vanguardia. Conocido por sus trabajos de “site-specific” en la decada de los 70, se le reconoce principalmente por sus “building cuts" o “cortes de edificios", una serie de intervenciones en inmuebles abandonados de los cuales removía casi quirurgicamente diversas secciones de suelos, techos y murallas, de forma estratégica, con el fin de reconfigurar el significado mismo del edificio y su valor simbólico y cultural. [editar]Biografía Los dos padres de Gordon Matta-Clark eran artistas: La estadounidense Anne Clark y el pintor Surrealista chileno Roberto Matta. Su hermano gemelo Sebastian tambien era artista, quien se suicido en 1976. Gordon Matta-Clark estudió arquitectura en Cornell University, pero nunca llegó a ejercer como arquitecto de profesión; refiriendose más bien a su propio trabajo en términos de “Anarchitecture.” En la época que Matta-Clark permaneció en la Universidad, el programa de arquitectura de Cornell era guiado en parte por Colin Rowe, un prominente teórico de la arquitectura modernista. Su visión de la modernidad más tarde influyó en gran parte del trabajo propio de Matta-Clark, especialmente en su relación con la práctica y la teoría modernista. Asi mismo, Matta-Clark se dedicó un año a estudiar literatura Francesa en la Sorbonne, Paris, coincidiendo con el período de las protestas estudiantiles de Mayo del 68. Al mismo tiempo en Paris tuvo oportunidad de conocer a los filósofos descontructivistas, a Guy Debord y los situacionistas. Estos radicales de la cultura y la política desarrollaron el concepto de “desvío”, o la reutilización de elementos artísticos preexistentes en un nuevo conjunto. Estos conceptos más tarde formarían parte de su trabajo. Siendo famoso por obras que alteraron radicalmente las estructuras existentes, como sus "building cuts" (en el que, por ejemplo, se corta una casa por la mitad verticalmente) alterando la percepción del edificio y su entorno. Matta-Clark usó distintos tipos de formato para documentar sus trabajos, incluyendo filmación, video, y fotografia. Sus trabajos incluyeron perfomance, reciclaje de piezas, trabajos sobre el espacio y las texturas. Así mismo usó diversos juegos de palabras como medio de re-conceptualizar los roles y relaciones preconcebidos y condicionados socialmente (desde las personas a la arquitectura). Él demostró que la teoría de la entropía se aplica al lenguaje como así mismo al mundo físico, y que ese lenguaje no es una herramienta neutral sino que es portador de valores sociales y vehículo de ideologías. "AN ARK KIT PUNCTURE, ANARCHY TORTURE, AN ARCTIC LECTURE, AN ORCHID TEXTURE, AN ART COLLECTOR..." En febrero de 1969, fue montada la muestra "Earth Art", curatoriada por Willoughby Sharp con la invitación de Tom Leavitt, en el Andrew Dickson White Museum of Art, en la Universidad de Cornell, en Ithaca New York. Matta-Clark, quien vivía en Ithaca por ese entonces, fue invitado por Willoughby Sharp con el propósito de ayudar a los artistas en "Earth Art" con la ejecución in-situ de sus trabajos para la exposición. Luego Sharp animó a Gordon Matta-Clark a trasladarse a la ciudad de New York donde Sharp continuó introduciendolo con los miembros del ambiente artístico de la ciudad. El trabajo de Matta-Clark, Museum, en la Klaus Kertess Bykert Gallery, fue incluido e ilustrado en las paginas 4-5 de Avalanche 1, en otoño de 1970. A comienzos de la decada de los 70’s, como parte del grupo Anarchitecture, Matta-Clark se interesó en la idea de entropía, las brechas metamórficas, y los espacios residuales/ambiguos. Fake Estates fue un proyecto comprometido con el tema de la propiedad de la tierra y el mito del sueño americano -de que todos y cada uno puede volverse “terrateniente”- por ser dueño de la propiedad. Matta-Clark "participa" de este sueño mediante la compra de 15 propiedades residuales y abandonadas en Manhattan por $25–$75 cada terreno. Ironicamente esos “solares” eran imposibles de usar o inaccesibles por su dimensiones y posición para su desarrollo, y la posibilidad de capitalizarlos, por tanto, y de volverse propietario en forma efectiva, pasaba a ser solo una idea en el papel. En 1971, Matta-Clark junto a Carol Gooden funda “Food”, en el SoHo de New York, un restaurant dirigido y atendido por artistas. El restaurant se convirtió en comedor de eventos con una cocina abierta y de ingredientes exóticos que celebraban el acto de cocinar mismo. Las actividades en el Food ayudaron a conformar la comunidad artística del centro de Manhattan. Al ser el primer espacio de este tipo en el SoHo, el resaturant Food se volvió muy conocido entre artistas y pasó a ser el lugar central de encuentro para grupos tales como el Philip Glass Ensemble, Mabou Mines, y los bailarines de Grand Union. Matta-Clark administró el Food hasta 1973. En 1974, llevó a cabo una desconstrucción literal, removiendo la fachada de una casa abandonada en el Love Canal, y trasladó los restos de murallas a Artpark, para su trabajo Bingo. Para la Bienal de Paris de 1975, realizó la pieza titulada Conical Intersect, mediante el corte de un gran agujero con forma de cono a través de dos casas antiguas que databan del siglo 17 en el distrito comercial conocido como Les Halles, el cual estaba siendo derribado con el propósito de construir el luego controvertido Centre Georges Pompidou. Matta-Clark muere de un cancer de pancreas el 27 de agosto de 1978. Los archivos de Gordon Matta-Clark se encuentran albergados en el Canadian Centre for Architecture de la ciudad de Montreal. El legado de Gordon Matta-Clark está representado por David Zwirner en New York. Fuente: Wikipedia

Gordon Matta Clark UN Artista que mediante el building cut centró la actividad de su vida - Zona XO

Gordon Matta Clark UN Artista que mediante el building cut centró la actividad de su vida - Zona XO

Gordon Matta Clark (Nueva York, 1943 1978). Fue un artista Estadounidense que exploró diferentes modos de intervención artística, mezclando indistintamente la perfomance, la crítica socio-espacial de la arquitectura y el urbanismo, el arte conceptual y las propuestas lúdico libertarias de vanguardia. Conocido por sus trabajos de “site-specific” en la decada de los 70, se le reconoce principalmente por sus “building cuts" o “cortes de edificios", una serie de intervenciones en inmuebles abandonados de los cuales removía casi quirurgicamente diversas secciones de suelos, techos y murallas, de forma estratégica, con el fin de reconfigurar el significado mismo del edificio y su valor simbólico y cultural. [editar]Biografía Los dos padres de Gordon Matta-Clark eran artistas: La estadounidense Anne Clark y el pintor Surrealista chileno Roberto Matta. Su hermano gemelo Sebastian tambien era artista, quien se suicido en 1976. Gordon Matta-Clark estudió arquitectura en Cornell University, pero nunca llegó a ejercer como arquitecto de profesión; refiriendose más bien a su propio trabajo en términos de “Anarchitecture.” En la época que Matta-Clark permaneció en la Universidad, el programa de arquitectura de Cornell era guiado en parte por Colin Rowe, un prominente teórico de la arquitectura modernista. Su visión de la modernidad más tarde influyó en gran parte del trabajo propio de Matta-Clark, especialmente en su relación con la práctica y la teoría modernista. Asi mismo, Matta-Clark se dedicó un año a estudiar literatura Francesa en la Sorbonne, Paris, coincidiendo con el período de las protestas estudiantiles de Mayo del 68. Al mismo tiempo en Paris tuvo oportunidad de conocer a los filósofos descontructivistas, a Guy Debord y los situacionistas. Estos radicales de la cultura y la política desarrollaron el concepto de “desvío”, o la reutilización de elementos artísticos preexistentes en un nuevo conjunto. Estos conceptos más tarde formarían parte de su trabajo. Siendo famoso por obras que alteraron radicalmente las estructuras existentes, como sus "building cuts" (en el que, por ejemplo, se corta una casa por la mitad verticalmente) alterando la percepción del edificio y su entorno. Matta-Clark usó distintos tipos de formato para documentar sus trabajos, incluyendo filmación, video, y fotografia. Sus trabajos incluyeron perfomance, reciclaje de piezas, trabajos sobre el espacio y las texturas. Así mismo usó diversos juegos de palabras como medio de re-conceptualizar los roles y relaciones preconcebidos y condicionados socialmente (desde las personas a la arquitectura). Él demostró que la teoría de la entropía se aplica al lenguaje como así mismo al mundo físico, y que ese lenguaje no es una herramienta neutral sino que es portador de valores sociales y vehículo de ideologías. "AN ARK KIT PUNCTURE, ANARCHY TORTURE, AN ARCTIC LECTURE, AN ORCHID TEXTURE, AN ART COLLECTOR..." En febrero de 1969, fue montada la muestra "Earth Art", curatoriada por Willoughby Sharp con la invitación de Tom Leavitt, en el Andrew Dickson White Museum of Art, en la Universidad de Cornell, en Ithaca New York. Matta-Clark, quien vivía en Ithaca por ese entonces, fue invitado por Willoughby Sharp con el propósito de ayudar a los artistas en "Earth Art" con la ejecución in-situ de sus trabajos para la exposición. Luego Sharp animó a Gordon Matta-Clark a trasladarse a la ciudad de New York donde Sharp continuó introduciendolo con los miembros del ambiente artístico de la ciudad. El trabajo de Matta-Clark, Museum, en la Klaus Kertess Bykert Gallery, fue incluido e ilustrado en las paginas 4-5 de Avalanche 1, en otoño de 1970. A comienzos de la decada de los 70’s, como parte del grupo Anarchitecture, Matta-Clark se interesó en la idea de entropía, las brechas metamórficas, y los espacios residuales/ambiguos. Fake Estates fue un proyecto comprometido con el tema de la propiedad de la tierra y el mito del sueño americano -de que todos y cada uno puede volverse “terrateniente”- por ser dueño de la propiedad. Matta-Clark "participa" de este sueño mediante la compra de 15 propiedades residuales y abandonadas en Manhattan por $25–$75 cada terreno. Ironicamente esos “solares” eran imposibles de usar o inaccesibles por su dimensiones y posición para su desarrollo, y la posibilidad de capitalizarlos, por tanto, y de volverse propietario en forma efectiva, pasaba a ser solo una idea en el papel. En 1971, Matta-Clark junto a Carol Gooden funda “Food”, en el SoHo de New York, un restaurant dirigido y atendido por artistas. El restaurant se convirtió en comedor de eventos con una cocina abierta y de ingredientes exóticos que celebraban el acto de cocinar mismo. Las actividades en el Food ayudaron a conformar la comunidad artística del centro de Manhattan. Al ser el primer espacio de este tipo en el SoHo, el resaturant Food se volvió muy conocido entre artistas y pasó a ser el lugar central de encuentro para grupos tales como el Philip Glass Ensemble, Mabou Mines, y los bailarines de Grand Union. Matta-Clark administró el Food hasta 1973. En 1974, llevó a cabo una desconstrucción literal, removiendo la fachada de una casa abandonada en el Love Canal, y trasladó los restos de murallas a Artpark, para su trabajo Bingo. Para la Bienal de Paris de 1975, realizó la pieza titulada Conical Intersect, mediante el corte de un gran agujero con forma de cono a través de dos casas antiguas que databan del siglo 17 en el distrito comercial conocido como Les Halles, el cual estaba siendo derribado con el propósito de construir el luego controvertido Centre Georges Pompidou. Matta-Clark muere de un cancer de pancreas el 27 de agosto de 1978. Los archivos de Gordon Matta-Clark se encuentran albergados en el Canadian Centre for Architecture de la ciudad de Montreal. El legado de Gordon Matta-Clark está representado por David Zwirner en New York. Fuente: Wikipedia

Arte contra el cambio climático - Zona XO

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Tatuaje Maori - Zona XO

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Anaformismo de Julian Beever - Zona XO

Anaformismo de Julian Beever - Zona XO

Julian Beever es un artista británico que se dedica a dibujar con tiza. Ha creado dibujos de tiza en 3D en el pavimento utilizando un método llamado anamorfosis que crea una ilusión óptica. Sus dibujos en las calles desafían las leyes de la perspectiva. Aparte del arte en tres dimensiones, Beaver pinta murales y réplicas del trabajo de grandes maestros del arte. Usualmente lo contratan para crear murales para compañías. Asimismo se dedica a la publicidad y el marketing. Ha trabajado en el Reino Unido, Bélgica, Francia, Holanda, Alemania, los Estados Unidos, Australia, México, España y Uruguay. Desde el 2004 una cadena de correo con algunas de las obras de Beever ha estado circulando por Internet. El juego visual que proponen las imágenes ha sido confundido por muchas personas como producto de una edición fotográfica. Fuente: taringa.net

"Frida Kahlo extramuros" - Zona XO

"Frida Kahlo extramuros" - Zona XO

Tatuaje Maori - Zona XO

Tatuaje Maori - Zona XO

La propuesta artística de U2 - Zona XO

La propuesta artística de U2 - Zona XO

El oscuro y creativo mundo del Dr. Lakra

El Dr. Lakra vive de la tinta, y evidentemente no es un doctor de verdad. El artista mexicano de 38 años es en realidad Jerónimo López Ramírez, y su nombre artístico, Dr. Lakra, no lo seleccionó él mismo. “Me lo pusieron. Todo empezó por una maleta que usaba, era como las que usan los doctores, pero yo la usaba para guardar los instrumentos de tatuar”, me informa el artista, hijo del pintor mexicano Francisco Toledo, durante nuestra entrevista. El Dr. Lakra, hace tatuajes en la piel, pero también los realiza en una variedad de superficies inanimadas. Su primera exhibición como artista solista en este país – compuesta de más de 60 piezas, la mayoría de coleccionistas norteamericanos – se presentó en el Instituto de Arte Contemporáneo (ICA, por sus siglas en inglés) de Boston. Actualmente, el Dr. Lakra se encuentra terminando un mural imponente de 40 pies en el museo. ¿Cuándo comenzaste a tatuar, y cuándo te diste cuenta que esto era algo que se podría traducir a una forma de hacer arte? Empecé a tatuar en el año de 1990 o 1991. El tatuaje puede ser muchas cosas pero siempre supe que también podía ser visto, o usado como una forma de arte. No necesitas traducir nada. ¿Cuál fue tu primera inspiración para hacerlo? La escena punk chopera del DF en la ciudad de México (el tianguis cultural del chopo es un mercado que existe desde los años 80 donde se juntan todo tipo de jóvenes punk, darks, skatos, heavy, rastas, etc. para comprar o intercambiar música o parafernalia relacionada con el rock y a convivir.) Allí mismo vi por primera vez “Tattootime” de Ed Hardy [famoso artista del tatuaje], el número de tatuajes de música y el mar me inspiró muchísimo. ¿Alguna vez te cuestionaste si el tatuaje era una manera de hacer arte? El tatuaje puede ser muchas cosas. Desde que comencé a investigar sobre los tatuajes me fascinó la idea de que pueda ser muchas cosas diferentes, dependiendo del contexto puede ser incluso arte. ¿Qué tatuajes tienes? Cuando empecé a tatuar practicaba un poco en mis piernas para probar agujas o diferentes tintas... y me hice un par de tatuajes en el brazo izquierdo pero hace mucho que no me tatúo a mí mismo. Tengo tatuajes figurativos. ¿Cuáles han sido los objetos más extraños que has tatuado? Una vez tatué a una viejita chimuela y tuerta, tenía como 80 años. También he tatuado a coleccionistas de arte. Cuando unos amigos en Guadalajara me enseñaron que cualquier plástico se puede tatuar, empecé a tatuar todo... teléfonos, encendedores, zapatos, vasos, platos, tazas, muñecos, todo lo que tuviera de plástico. Pero no como una forma de arte, sino solo para decorar mis objetos de uso cotidiano. ¿Cuáles son los tatuajes más raros que has hecho en personas? Me imagino que los tatuajes más raros que he hecho son tatuajes cosméticos como cejas o lunares. Una vez tatué adentro de la nariz; hace poco hice un gallo con cuerpo de serpiente, pero eso no es inusual para mí. En ocasiones especiales hago tatuajes en perros o gatos. Pero ya no vivo del tatuaje, solo hago cosas que me interesa hacer. ¿Hay humor y sátira en lo que haces?. En cierta forma es el mismo gesto que hace un niño cuando le pinta bigotes a la foto del director de la escuela, o el joven que le pone colmillos de vampiro al póster del siguiente candidato. El tatuaje se ha vuelto muy popular. En este país el 36% de las personas entre 18 y 35 años tienen uno. Aquí en Massachusetts, era ilegal hacerlo hasta hace 10 años. ¿Qué crees que explica el tabú asociado al tatuaje? La ignorancia creo que es el principal problema; otro problema es la religión y otro el estado. Combina todo esto y tendrás un montón de leyes o prohibiciones, pero me imagino que como los nativos de Norteamérica se tatuaban también eso contribuye al tabú. En tiempos de la colonización la mentalidad occidental ve al tatuaje como una amenaza, como una resistencia cultural, como una religión, como una forma de vida que debe de ser prohibida o aislada en una reservación. Aunque las prohibiciones vienen también por una epidemia de hepatitis… ¿Por qué crees que el tatuaje se volvió popular y cool? El tatuaje no infiltró la cultura popular, sino que la cultura popular (o mainstream) lo absorbe todo. De cierta manera todo tiene que ver con el dinero… ¿Perdió ya su estatus de tabú? Lamentablemente sí. Pero depende de muchas cosas, creo que existen diferentes situaciones. No es lo mismo el tatuaje de LA Ink que el de las maras salvatruchas, o el de los Sarawak de borneo. Por suerte, existen lugares donde el mainstream no significa nada. ¿Quiénes son tus influencias? ¿Te ha influenciado la actual guerra al narcotráfico que se vive en México y su brutalidad? El comic en general siempre ha sido una influencia en mí, pero también la pintura flamenca o las portadas de los discos. Mi obra siempre ha sido la misma… pero vivo en México y soy sensible a lo que pasa actualmente, esto impacta toda mi vida, no solo mi trabajo. Te gustan las imágenes de chicas usadas en los pósters de los años 50, las calaveras, serpientes y arañas. ¿Hay algún tema recurrente en tu obra? Estoy hablando de ideas como la sexualidad o la muerte o las implicaciones que pueden tener las imágenes como la de la serpiente en una cultura judeocristiana. Creo que no es tan banal como iconografía del tatuaje. Mi tema principal podría ser algo así como los impulsos carnales. Me gusta jugar con los estereotipos que la gente tiene en la cabeza... pones un murciélago y eso se les hace siniestro. Desde niño tengo una fascinación con lo que no es común, lo monstruoso y lo grotesco en cierta forma cuestiona la perfección del “creador supremo creador”. Tu obra de alguna forma recuerda a las atracciones circenses que viajaban en caravana, donde la idea era la de perturbar y entretener. No pretendo entretener con mi trabajo, ni que sea un circo. Pero sí me siento atraído por la forma de vida nómada que existía en esas caravanas. El morbo es algo humano. En manos del Dr. Lakra, todo objeto, desde pósters antiguos e impresiones japonesas hasta vasos de papel y muñecas de plástico, es transformado en dibujos inspirados por tatuajes. Refiriéndose a un amplio rango de imágenes – como tatuajes Maori o símbolos que usan pandillas urbanas, iconos mexicanos del Día de Muertos o cómics – la obra del Dr. Lakra desvanece identidades culturales mientras que explora tensiones entre estructuras sociales e impulsos animales, entre lo sacro y lo profano. Fuente: TuBoston.com Por Jim Sullivan

El autorretrato más pequeño de Frida Kahlo se subastará en NY

El autorretrato más pequeño de la pintora mexicana Frida Kahlo quedó expuesto al público de Nueva York el viernes, tres semanas antes de que forme parte de una subasta en la que se espera que alcance un precio de venta de 1,2 millones de dólares. La pintura con forma de medallón, titulada "Autorretrato en miniatura", mide tan sólo cinco centímetros de largo y fue un regalo de Kahlo a su amante, el pintor catalán José Bartoli, quien lo guardó durante más de 50 años. La artista puso esta dedicación en la parte trasera del cuadro: "Para Bartoli con amor, Mara". La obra será vendida el 25 de mayo en la casa de subastas Sotheby's junto otras pinturas de destacados artistas latinoamericanos como los mexicanos Rufino Tamayo y Diego Rivera, además del chileno Roberto Matta. La colección pertenece a un sólo dueño que se mantiene anónimo, dijo Sotheby's. En el cuadro de Kahlo, la artista aparece vestida como Tehuana, con el pelo recogido y coronado por un tocado de flores rojas. La mexicana luce relajada y lleva dos grandes pendientes amarillos brillantes. La diminuta pintura fue expuesta en el museo Tate Modern de Londres en el 2005 durante una exhibición de obras de la mexicana. "Aunque es muy chiquito, tiene mucha fuerza", dijo Carmen Melián, directora de arte latinoamericano en Sotheby's. "Tiene el impacto de un cuadro de muchos metros". Melián explicó que se cree que la obra fue pintada en la década de 1930 en México y regalada a Bartoli en la década de 1940. "Ella mira un poco de reojo. Está maquillada y muy arreglada. Está muy coqueta", dijo Melián. "Quizás ella lo pintó para otro hombre y acabó dándoselo a Bartoli". El "Autorretrato en Miniatura" se vendió por 225.750 dólares en el 2000 en la casa de subastas al mismo dueño que ahora vende la obra. El cuadro más caro de Kahlo hasta ahora ha sido la pintura "Raíces", que se vendió por 5,61 millones de dólares en mayo del 2005, dijo Melián. Fuente: terra.com

Lady Gaga "Arte y Creatividad al máximo" - Zona XO

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Arte hecho a base de códigos de barras - Zona XO

Arte hecho a base de códigos de barras - Zona XO